در ادامه با سازکالا همراه باشید.

گیتارهای گران قیمت با متریالی کمیاب!

یکی از نکاتی که باید حتما مد نظر داشته باشید، این است که شرایط برای گیتاریست‌ها از همیشه سخت تر خواهد شد. این موضوع تنها به قیمت وابسته نیست بلکه متریالی که برای ساخت گیتارها مورد استفاده قرار می گیرد نیز روز به روز کمیاب تر و گران قیمت تر می شوند. اما دلیل آن چیست؟

یکی از دلایلی که باعث می شود که متریالی که برای ساخت گیتارها استفاده می شود، به مرور تغییر داشته باشند، این است که سازمان محیط زیست در مقابل بسیاری از کمپانی‌های تولید گیتار ایستاده است و اجازه قطع درختان خاص از برخی از جنگل‌ها دیگر وجود ندارد. برای مثال، دو سال پیش شرکت فندر اعلام کرد که دیگر از چوب Swamp Ash برای ساخت گیتارهای خود استفاده نمی کند و از چوب‌های دیگر برای ساخت‌ سازهای خود بهره می برد. این اتفاق برای دیگر سازها نیز اتفاق افتاده است.

این موضوعات نه تنها در مورد گیتارهای الکتریک صدق می کند، بلکه گیتارهای آکوستیک، بیس، کلاسیک و حتی آمپلی فایرها و افکت‌ها نیز وضعیت مشابهی دارد. برای مثال، Andy Mooney، مدیر عامل شرکت فندر در یک مصاحبه اعلام کرد که کمبود قطعات تولید ساز نه تنها باعث شده تا شرکت‌ها و برندها به دنبال استفاده از متریال جایگزین باشند، بلکه باعث شده تا ساخت گیتارها هزینه به مراتب بالاتری برای این شرکت‌ها داشته باشد. همانطور که می توانید حدس بزنید، وقتی هزینه تولید یک کالا افزایش پیدا می کند، قیمت فروش آن نیز افزایش خواهد داشت!

یک بحران جهانی

همانطور که پیش تر نیز اعلام کردیم، افزایش قیمت تنها برای نوازندگان ایران نبوده و در تمام دنیا این افزایش قیمت صورت گرفته است. در واقع به دلیل کمبود قطعات، ساخت گیتارها هزینه بیشتری برای شرکت‌های سازنده دارد و همین موضوع باعث می شود تا قیمت نهایی گیتار نیز برای نوازنده گران تر تمام شود. اما این فقط بخشی از موضوع است. اوضاع به مراتب از چیزی که فکر می کنید بدتر است!

احتمالا بسیاری از شما می دانید که کشور آمریکا در حال تجربه یک تورم بسیار شدید است و همین تورم شدید، قیمت بسیاری از اجناس را در این کشور افزایش داده است. همانند بسیاری از کشورهایی که درگیر تورم هستند، قیمت سوخت و بسیاری دیگر از کالاهای اساسی در آمریکا در طی ماه‌های گذشته افزایش داشته باشید. در نظر داشته باشید که متریالی که با استفاده از آن به تولید گیتار می پردازند نیز افزایش قیمت داشته است. بنابراین این افزایش قیمت جهانی نه تنها رابطه مستقیمی با کمبود متریال دارد، بلکه تورم آمریکا نیز تاثیر مستقیمی بر روی قیمت‌های نهایی سازهای موجود در بازار داشته است.

چه کاری از دستمان بر می آید؟

در این برهه از زمان که نه تنها قیمت‌ها در داخل در حال افزایش هستند، بلکه قیمت دلاری گیتارها نیز افزایش داشته، چه کاری می توانیم انجام دهیم تا ساز مورد نظر خود را با قیمتی مناسب خریداری کنیم؟ صادقانه یکی از تنها راه‌هایی که می توانید انتخاب کنید، این است که در سریع ترین زمان ممکن، اقدام به خرید ساز مورد نظر خود کنید. با سریع تر خریدن گیتار و یا تجهیزاتی که مد نظر دارید، نه تنها می توانید ساز مورد نظر خود را با قیمت مناسب تری خرید کنید، بلکه می توانید سازهایی با کیفیت تر را خریداری کنید زیرا شرکت‌ها با مرور زمان، از متریالی با کیفیت پایین تری برای ساخت سازهای خود استفاده می کنند.

مطلب پیشنهادی : معرفی محبوب ترین سبک‌های موسیقی دنیا

سخن پایانی

در این مقاله قصد داشتیم تا دلیل های افزایش قیمت گیتار را بررسی کنیم و این موضوع را در سطح بین المللی بررسی کردیم. همچنین دلایل مختلفی که می تواند باعث شود تا قیمت دلاری سازهای موجود در بازار افزایش پیدا کند و راه حل خرید ساز با قیمتی مناسب را نیز بررسی کردیم.

نوشته چرا شاهد افزایش قیمت گیتار در سطح بین المللی هستیم؟ اولین بار در مجله سازکالا. پدیدار شد.

حالا که به‌طورکلی با سبک موسیقی متال آشنا شدید، در ادامه این مطلب، چند نمونه از این سبک موسیقی جذاب را معرفی کرده و سپس تاریخچه آن را با هم مرور خواهیم کرد. در بخش تاریخچه نیز چند بند متال باز مشهور را به شما معرفی می‌کنیم تا در صورت علاقه‌مندی به این سبک موسیقی، به آهنگ‌های این گروه‌ها نیز گوش کنید. در آخر هم برای کامل‌شدن بحث، انواع سبک‌های متال را به شما آموزش می‌دهیم تا با زیرشاخه‌های این سبک موسیقی مدرن نیز آشنا شوید. پس تا انتهای این مطلب در بلاگ سازکالا بمانید.

مشاهده “قیمت گیتار الکتریک” با تنوع بی‌نظیر در فروشگاه معتبر سازکالا

نمونه موسیقی متال

در اینجا برای درک بهتر سبک موسیقی متال، سه آهنگ مشهور را بررسی می‌کنیم و به ویژگی‌های متال در آن‌ها اشاره می‌کنیم:

۱. آهنگ “Enter Sandman“ از Metallica: این آهنگ یکی از معروف‌ترین نمونه‌های هوی متال است. در این آهنگ صدای گیتار الکتریک و ریف‌های سریع و سنگین آن به‌وضوح شنیده می‌شود. از طرفی ریتم درام پرقدرت و ضربه‌ای باعث ایجاد حس هیجان می‌شود. همچنین وکال اصلی نیز با لحن پرانرژی و کمی خشن اجرا شده که از ویژگی‌های کلاسیک متال است. شنونده با شنیدن این نشانه‌ها می‌تواند متوجه شود که سبک موسیقی متال است.

۲. آهنگ “Painkiller“ از Judas Priest: این آهنگ نمونه‌ای از پاور متال و هوی متال کلاسیک است. ریف‌های سریع و تکنیکی، درام‌های پرانرژی و صداهای بلند و قوی خواننده، همه عناصر متال را نشان می‌دهند. سرعت بالای آهنگ و ریف‌های تکراری پرقدرت باعث ایجاد حس هیجان شدید می‌شود. این آهنگ به‌خوبی تفاوت راک و متال را نشان می‌دهد.

۳. آهنگ “Ace of Spades“ از Motörhead: بسیاری این آهنگ را پیش‌درآمد متال می‌دانند. صدای گیتار تند، درام محکم و وکال پرانرژی و کمی خشن، همگی نشانه‌های اصلی آهنگ متال را دارند. ریتم تند و تکراری آهنگ، حس قدرت و هیجان را منتقل می‌کند و شنونده می‌تواند به‌راحتی متوجه سبک متال بشود.

در تمام این نمونه‌ها، نشانه‌های اصلی آهنگ متال شامل ریف‌های سنگین و تکنیکی، ریتم‌های درام قدرتمند، وکال پرانرژی یا خشن و سرعت و شدت بالا در موسیقی است که شنونده با تمرکز روی این عناصر می‌تواند متوجه سبک آهنگ متال شود.

تفاوت راک و متال

پس از آشنایی اولیه با موسیقی متال، معمولاً این پرسش مطرح می‌شود که تفاوت راک و متال دقیقاً در چیست. همان‌طور که گفتیم متال از دل موسیقی راک شکل گرفت، اما به‌مرور با تمرکز بیشتر بر قدرت صدا، ریف‌های سنگین و ریتم‌های کوبنده، مسیر مستقلی پیدا کرد. این در حالی است که سبک راک اغلب بر ملودی و ساختار ساده‌تر تکیه دارد. درواقع استایل متال شدت احساسی بالاتر و فضای صوتی سنگین‌تری نسبت به سبک موسیقی راک ایجاد می‌کند که شما به‌عنوان شنونده به‌وضوح می‌توانید آن را احساس کنید.

یکی از مهم‌ترین تفاوت راک و متال، میزان تنوع و شاخه‌بندی در این دو ژانر است. موسیقی متال شامل استایل‌های مختلفی است که هر کدام ویژگی‌های صوتی، ریتم و حال‌وهوای متفاوتی دارند و همین موضوع باعث شده متال دنیایی گسترده‌تر و تخصصی‌تر نسبت به راک داشته باشد. این تنوع به شنونده اجازه می‌دهد بر اساس سلیقه شخصی، استایل متال موردعلاقه خود را انتخاب کند.

راک متال چیست

حالا که تفاوت راک و متال را متوجه شدیم، بد نیست با اصطلاحی به نام راک متال نیز آشنا شویم. راک متال چیست؟ راک متال نوعی سبک موسیقی است که برخی عناصر ملودیک و ساختاری راک را با شدت و انرژی متال ترکیب می‌کند و به شنونده تازه‌کار اجازه می‌دهد کم‌کم با ریف‌های سنگین و فضای قدرتمند متال آشنا شود، درحالی‌که حس آشنایی با ریتم و ملودی راک را نیز حفظ می‌کند.

تفاوت سبک Hardcore با سبک متال

 سبک Hardcore نیز یکی دیگر از سبک‌هایی است که شباهت بسیاری به سبک متال دارد؛ اما در بسیاری از موارد با آن متفاوت است. در نظر داشته باشید که بسیاری از افرادی که در این سبک کار می‌کنند، خود را جزو گروه‌های متال نمی‌دانند و سبک خاص خود را دارند. این سبک از لحاظ سازبندی شباهت بسیاری به سبک متال دارد؛ اما از نظر محتوای متن و چینش درامز با آن متفاوت است.

تاریخچه موسیقی متال

یکی از نکاتی که باید در مورد تاریخچه سبک متال در نظر داشته باشید، این است که بسیاری از افراد تاریخچه این سبک را با سبک راک اشتباه می‌گیرند. از آن جایی که سبک متال را می‌توانیم پرطرف‌دارترین زیر شاخه دنیا بدانیم، بسیار از افراد آن را به‌عنوان یک سبک جدا در نظر می‌گیرند؛ البته این موضوع کاملاً هم اشتباه نیست. با این که این سبک در ابتدا تنها یک زیر شاخه از سبک راک بود، اما با گذر زمان، طرف‌داران بی‌شماری پیدا کرد و زیر شاخه‌های مختلفی نیز از آن پدید آمد که می‌توانیم در دنیای امروزی، موسیقی متال را یک سبک مستقل و کامل در نظر بگیریم.

پیدایش سبک متال

اگر به تاریخ موسیقی و گروه‌های مختلفی که پا در این عرصه گذاشتند، نگاه کنیم، متوجه می‌شویم که پیدایش سبک متال در دهه ۶۰ میلادی رخ داد. در دهه ۵۰ بسیاری از نوازندگان گیتار شروع به استفاده از تجهیزاتی کردند که باعث می‌شد تا صدایی خشن‌تر و به‌اصطلاح دیستورت‌تری را دریافت کنند.

پس از آن اما در دهه ۶۰، بسیاری از گروه‌هایی که نخستین المان‌های سبک متال را در آهنگ‌های خود استفاده کردند، از سبک‌های راک و بلوز نیز بسیار الهام گرفته بودند و همین نکته باعث شده بود تا افراد متوجه پیدایش یک سبک جدید نشوند. اما پس از مدتی، با اضافه‌کردن المان‌هایی همانند استفاده از ریتم‌های پانک، دوستداران موسیقی متوجه سبکی شدند که از انرژی بسیار زیادی برخوردار است.

به شکل کلی اما، سبک متال سبکی است که از دل سبک راک بیرون آمده است و همان سازهایی که در سبک راک مورداستفاده قرار می‌گیرند، در این سبک نیز به‌عنوان سازهای اصلی به شمار می‌روند. اما باید این نکته را در نظر داشته باشید که این سازها، با صداهای مختلفی در سبک متال مورداستفاده قرار می‌گیرند که باعث تفاوت میان سبک راک و سبک متال می‌شود. برای مثال، گیتارهای الکتریک و گیتار بیسی که در سبک متال مورداستفاده قرار می‌گیرد، صدای دیستورت‌تری دارند و از درامزهایی استفاده می‌شود که صدایی کوبنده‌تر و تیزتری دارند.

مطلب پیشنهادی: “بیوگرافی گروه متالیکا“

معرفی چند گروه موسیقی متال (بندهای متال باز)

در دنیای موسیقی متال، گروه‌های بسیاری وجود دارند که هر کدام با سبک و صدای خاص خود تأثیر عمیقی بر این ژانر پرطرف‌دار گذاشته‌اند. این گروه‌ها نه‌تنها مهارت موسیقایی بالا دارند، بلکه هر یک نمادی از زیرسبک‌های مختلف متال هستند و شنونده می‌تواند از طریق گوش‌دادن به آثارشان با تنوع و گستردگی استایل‌های متال آشنا شود.

یکی از نخستین گروه‌هایی که شروع به آهنگ‌سازی در این سبک جدید کرد را می‌توانیم گروه Black Sabbath در نظر بگیریم. بسیاری از افراد بر این باور هستند که سبک متال با پیدایش این گروه متولد شد و سپس گروه‌های دیگر همانند Led Zeppelin و Deep Purple نیز راه این گروه را ادامه دادند. پس از آن که این گروه‌ها سروصدای بسیار زیادی در میان طرف‌داران به راه انداختند، به هر سه آن‌ها لقب “سه‌گانه نامقدس هوی متال” داده شد.

پس از گذشت چند سال و پیدایش بندهای مختلف در زیر سبک‌های گوناگون این سبک، المان‌های جدیدی به سبک متال اضافه شد. از جمله گروه‌های تأثیرگذار بر روی این سبک می‌توانیم به Poison و Motley Crue اشاره کنیم که پیدایش زیر سبک‌های متال از جمله Glam Metal و Hair Metal از جمله این سبک‌ها بوده است. گروه‌های دیگری همانند Metallica نیز وارد عرصه موسیقی شدند و با پیدایش سبک‌هایی نظیر Thrash Metal، طرف‌داران بسیاری پیدا کردند.

در دهه ۹۰ میلادی اما گروه‌های مختلف با استفاده از المان‌های مختلف توانستند تا زیر سبک‌های جدیدی را به وجود بیاورند. برای مثال، سبک Nu Metal یکی از خاص‌ترین سبک‌هایی بود که در این دهه از آن رونمایی شد و بندهای مختلفی در این سبک‌ها به نوازندگی پرداخته‌اند.

در ادامه چند گروه متال باز را آورده‌ایم و توضیح داده‌ایم که چرا هرکدام از این بندها جزو نام‌های مهم موسیقی متال به شمار می‌روند.

گروه Exodus (ثرش متال)

گروه Exodus به‌عنوان یکی از پیش‌گامان جریان‌ساز سبک ثرش متال، با ترکیبی از ریف‌های تند، درام‌های ضربان‌دار و انرژی بی‌حدومرز، تجسمی کامل از موسیقی تهاجمی و تکنیکی است. موسیقی آن‌ها باتکیه‌بر سرعت بالا و صدای خشن گیتار، شنونده را به دنیایی جذاب می‌برد و آثارشان به منبع الهام و استانداردی برای علاقه‌مندان به متال سرعتی تبدیل شده است.

این ویژگی‌ها در قطعات ماندگار گروه به‌وضوح دیده می‌شود؛ از آهنگ Bonded by Blood که با ریف‌های قدرتمند خود یک نمونه کلاسیک از این سبک به شمار می‌رود، تا Toxic Waltz که با ریتم تند و حس هیجانِ خالص، اوج تهاجم را به نمایش می‌گذارد. همچنین در آثار مدرن‌تری مانند The Last Act of Defiance، آن‌ها با تلفیق تکنیک‌های پیچیده گیتار و ریتم‌های پرانرژی، توانسته‌اند جایگاه خود را به‌عنوان یکی از ستون‌های استوار موسیقی متال حفظ کنند.

گروه Pantera (گروو متال)

این گروه آمریکایی در دهه ۱۹۹۰ به شهرت رسید و بیشتر با سبک گروو متال شناخته می‌شود؛ سبکی که ضرب‌آهنگ‌های سنگین را با ریتم‌های شکسته ترکیب می‌کند. صدای خشن گیتار، ریزهای قدرتمند و اجرای پرانرژی باعث شده است که موسیقی Pantera به‌وضوح احساس قدرت و خشم را منتقل کند. این گروه یکی از تأثیرگذارترین گروه‌ها در متال دهه ۹۰ است.

شاهکارهای این گروه به‌خوبی گویای این سبک منحصربه‌فرد هستند؛ آهنگ Walk با ریتم‌های سنگین و ماندگارش تجسم قدرت است، درحالی‌که قطعه Cowboys from Hell با انرژی انفجاری گیتار، امضای صوتی پانترا را به رخ می‌کشد. همچنین آهنگ Domination با نمایش ریف‌های سریع، تکنیکی و وکال تهاجمی، اوج مهارت گروه در ترکیب سرعت و سنگینی را به نمایش می‌گذارد.

گروه Sodom (ثرش متال)

یکی از گروه‌های مهم ثرش متال آلمان است که از اوایل دهه ۱۹۸۰ فعال بوده است. Sodom با آهنگ‌های سریع و خشن و فضایی تیره و تهاجمی، نمونه کلاسیک متال سرعتی (سپید و ثرش) است. صدای گیتارهای پرقدرت و وکال پرانرژی باعث شده آثار این گروه برای طرف‌داران موسیقی متال شدید و جذاب باشد.

در آثار شاخص این گروه، می‌توان این حجم از تاریکی و قدرت را به‌وضوح لمس کرد؛ آهنگ Agent Orange با سرعت بالا و فضای سنگین خود یک شاهکار ماندگار است و قطعه M-16 با ریتم‌های تند و وکال خشن، انرژی بی‌وقفه‌ای را به نمایش می‌گذارد. همچنین آهنگ Outbreak of Evil به‌عنوان یک نمونه بارز، به‌خوبی نشان‌دهنده مهارت فنی در متال کلاسیک است.

گروه Judas Priest (هوی متال کلاسیک)

یک گروه کلاسیک و از مهم‌ترین نام‌های هوی متال بریتانیاست. صدای دو گیتار هماهنگ، وکال قوی و قدرتمند و آهنگ‌های پرانرژی باعث شده موسیقی این گروه نمادی از هوی متال اصیل باشد. Judas Priest نقش زیادی در شکل‌گیری هوی متال مدرن داشته و یکی از الهام‌بخش‌ترین گروه‌ها در تاریخ متال به شمار می‌آید.

 این مهارت در قطعات جاودانهٔ گروه به‌وضوح نمایان است؛ آهنگ Breaking the Law با ریف‌های نمادین و انرژیِ مثال‌زدنی‌اش یکی از شناخته‌شده‌ترین آثار تاریخ متال است، درحالی‌که قطعه Painkiller با نمایش خیره‌کننده‌ای از سرعت و تکنیک بالا، اوجِ اقتدار هوی متال کلاسیک را به رخ می‌کشد. همچنین آهنگ Electric Eye با ریف‌های سنگین و وکال نافذ، حس قدرت و هیجانی را منتقل می‌کند که تنها از عهده «خدایان متال» برمی‌آید.

گروه Scorpions (هوی متال / هارد راک)

اگرچه بعضی آثار این گروه به سمت هارد راک گرایش دارد، Scorpions نقش بزرگی در شکل‌گیری سبک هوی متال داشته‌اند و یکی از نمادهای این ژانر در دهه‌های گذشته هستند. استفاده از ریف‌های قدرتمند، وکال‌های پر انرژی و ساخت آهنگ‌های تأثیرگذار باعث شده آثار این گروه در مرز بین هارد راک و هوی متال قرار گیرد و برای شنوندگان متال کلاسیک ارزش زیادی داشته باشد.

تفاوت راک و متال در شدت صدا، ساختار موسیقی و نوع بیان احساسات کاملاً قابل‌تشخیص است؛ قطعه Rock You Like a Hurricane با ریف‌های کوبنده و انرژی بی‌رقیبش، تجسمی از هوی متال کلاسیک است، درحالی‌که آهنگ Blackout با ترکیب گیتار سنگین و ریتم‌های پرشتاب، اوج هیجان و تهاجم را به نمایش می‌گذارد. همچنین آهنگ No One Like You با نمایش قدرتِ وکال و اجرای دقیق گیتار، نمونه‌ای درخشان از توانایی گروه در خلق آثاری است که هم‌زمان پرقدرت و احساسی هستند.

 این گروه‌ها نمونه‌های برجسته‌ای از تنوع موسیقی متال هستند، از صدای سرعتی و خشن ثرش متال گرفته تا هوی متال کلاسیک و گروو متال پرانرژی. گوش‌دادن به آثارشان می‌تواند دید کاملی نسبت به سبک‌های مختلف متال به شنونده بدهد و نشان دهد چگونه موسیقی می‌تواند از شدت و احساس عمیق بهره ببرد. 

انواع سبک‌های متال

یکی از مهم‌ترین نکاتی که باعث می‌شود بتوانیم سبک متال را به‌عنوان یک سبک مجزا و خاص در نظر بگیریم، این است که زیرسبک‌های مختلفی برای این سبک موسیقی در نظر گرفته شده است. برای مثال، از جمله محبوب‌ترین زیرسبک‌های متال، می‌توانیم به دث متال اشاره کنیم که دهه‌هاست طرف‌داران خاص خود را دارد.

در ادامه به آشنایی با برخی از مهم‌ترین زیرشاخه‌های سبک متال می‌پردازیم:

سبک ثرش متال (Thrash Metal)

یکی از محبوب‌ترین زیر شاخه‌هایی که برای سبک متال وجود دارد، زیر شاخه ثرش متال است که در دهه ۸۰ میلادی محبوبیت بسیار بالایی داشت. بسیاری از متال هدها و افرادی که این سبک موسیقی را گوش می‌دهند، بر این باور هستند که این سبک، یکی از مهم‌ترین زیر سبک‌های متال به شمار می‌رود و بسیاری از بندهایی که در این سبک فعالیت می‌کنند، از جمله بزرگ‌ترین بندهای دنیا در سبک متال به شمار می‌روند.

از دید بسیاری از این افراد، سبک ثرش متال را هار گروه به اوج رسانده‌اند که در میان طرف‌داران این زیر شاخه، این چهار گروه به The Big 4 مشهور هستند. این چهار گروه متشکل از گروه‌های متالیکا، مگادث، اسلیر و آنثرکس است که گروه‌های محبوبی در این سبک به شمار می‌روند.

سبک پراگرسیو متال (Progressive Metal)

یکی دیگر از محبوب‌ترین زیر سبک‌های متال، پراگرسیو متال است که گروه‌های مختلفی در آن به فعالیت مشغول هستند. این سبک بیشتر در میان نوازندگان تکنیکال محبوب است و بسیاری از افرادی که در این سبک به نوازندگی مشغول هستند، افرادی هستند که از تکنیک‌های مدرن و حرفه‌ای را در این سبک اجرا می‌کنند و همین نکته باعث می‌شود تا بسیاری از ایده‌های متفاوت و جالب را در این سبک شنید. از گروه‌های قدیمی‌ای که در این سبک به فعالیت مشغول بوده‌اند می‌توانیم به گروه‌هایی همانند Queensrÿche و Dream Theater اشاره کرد.

همچنین گروه‌های امروزی نیز در این سبک به فعالیت مشغول هستند و از المان‌هایی که در سبک‌هایی همانند جز فیوژن مورداستفاده قرار می‌گیرد، استفاده می‌کنند تا صدایی منحصربه‌فرد و جالب را به سبک متال اضافه کنند. از جمله این گروه‌ها می‌توانیم به Animals as Leaders و یا Intervals اشاره کنیم.

سبک هوی متال (Heavy Metal)

این سبک موسیقی متال که ریشه در اواخر دهه ۶۰ میلادی دارد، در واقع تکامل‌یافتهٔ موسیقی راک با دوز بالایی از خشونت و قدرت است. در سبک هوی متال، گیتار الکتریک از یک ساز همراه به قهرمان اصلی داستان تبدیل می‌شود و با استفاده از افکت‌های دیستورشن سنگین، ریف‌های تکرارشونده و کوبنده‌ای را خلق می‌کند. خوانندگان این سبک متال معمولاً دارای توانایی صوتی بالایی هستند و از فریادهای بلند و لرزش‌های خاص صدا برای القای قدرت استفاده می‌کنند. اشعار سبک هوی متال اغلب مضامین اجتماعی، سرکشی و گاهی فانتزی دارند و فضایی حماسی و شورشی ایجاد می‌کنند که شنونده را به تحرک وامی‌دارد.

سبک پاور متال (Power Metal)

این استایل متال را می‌توان دراماتیک‌ترین و پرانرژی‌ترین شاخه متال دانست که شباهت زیادی به موسیقی متن فیلم‌های فانتزی و اساطیری دارد. ویژگی بارز این سبک، سرعت بسیار بالای نوازندگی گیتار و درامز است که با ملودی‌های شفاف و گوش‌نواز ترکیب می‌شود. برخلاف بسیاری از سبک‌های متال که فضایی تاریک دارند، پاور متال حسی از امید، شجاعت و قهرمانی را منتقل می‌کند. خوانندگان در این سبک موسیقی متال اغلب با تکنیک‌های اپرایی در گام‌های بسیار بالا می‌خوانند و ترانه‌ها معمولاً روایتگر داستان‌های شوالیه‌ها، اژدهایان و نبردهای بزرگ باستانی هستند که شنونده را به دنیایی فراتر از واقعیت می‌برند.

سبک دث متال (Death Metal)

دث متال یکی از خشن‌ترین و تکنیکی‌ترین زیرشاخه‌های متال است که هدف آن به‌تصویرکشیدن جنبه‌های تاریک و سخت وجود است. در این سبک، صدای خواننده به شکل غرش‌های عمیق و بم (Growling) شنیده می‌شود که تشخیص کلمات را دشوار می‌کند؛ اما حسی از وحشت و قدرت را منتقل می‌سازد. موسیقی در دث متال بسیار سریع، پیچیده و دارای تغییر ریتم‌های ناگهانی است؛ گیتارها به‌شدت بم کوک می‌شوند و درامز با سرعتی سرسام‌آور نواخته می‌شود. این سبک تلاش می‌کند با ایجاد فضایی سنگین و پرفشار، محدودیت‌های موسیقیایی را جابه‌جا کرده و تجربه‌ای کاملاً متفاوت از شدت صدا ارائه دهد.

سبک بلک متال (Black Metal)

بلک متال بیش از آنکه یک سبک موسیقی باشد، بر خلق یک اتمسفر خاص، سرد و وهم‌آلود تمرکز دارد. این استایل متال که برخاسته از شمال اروپاست، از گیتارهایی با صدای زیر و تیز و درامز بسیار سریع با ضرب‌آهنگ‌های یکنواخت استفاده می‌کند تا حسی از انزوا و فضای مه‌آلود جنگل‌های سرد را بازسازی کند. خوانندگان در اینجا به‌جای غرش، از جیغ‌های هیستریک و صداهای خراشیده استفاده می‌کنند. ضبط‌های بلک متال گاهی عمداً با کیفیتی پایین انجام می‌شود تا از تجاری‌شدن فاصله بگیرد و آن حس بدوی، زیرزمینی و عصیان خود را در برابر هنجارهای جامعه حفظ کند.

سبک دووم متال (Doom Metal)

دووم متال برخلاف اکثر سبک‌های هم‌خانواده خود، سرعت را به حداقل می‌رساند تا سنگینی موسیقی را به رخ بکشد. در این سبک، فضای این موسیقی به‌شدت غم‌آلود، مالیخولیایی و سنگین است و مضامینی چون زوال و ناامیدی را در بر می‌گیرد. شنیدن دووم متال مانند راه‌رفتن در یک مه غلیظ یا تحمل یک فشار روانی عمیق است که با صدای بم و کشیدهٔ سازها، شنونده را در خلسه‌ای تاریک فرومی‌برد.

سبک گروو متال (Groove Metal)

گروو متال یکی از سبک‌های متال است که قدرت دث متال را با ریتم‌های رقص‌آور و چکشی ترکیب می‌کند تا موسیقی‌ای بسازد که مستقیماً با بدن شنونده ارتباط برقرار می‌کند. در اینجا تمرکز اصلی بر روی “گروو” یا همان ضرب‌آهنگ‌های هماهنگ و سنگینی است که باعث می‌شود شما ناخودآگاه با موسیقی همراه شوید و اصطلاحاً “هد بزنید”. گیتارها در این استایل متال صدایی بسیار شفاف اما برنده دارند و ریف‌ها به‌صورت منقطع و با دقت بالایی نواخته می‌شوند. این موسیقی حس یک ماشین جنگی دقیق و پرقدرت را دارد که با نظمی خاص به جلو حرکت می‌کند و انرژی فوق‌العاده‌ای به مخاطب منتقل می‌کند.

سبک سمفونیک متال (Symphonic Metal)

سمفونیک متال پیوندی میان خشونت متال و ظرافت موسیقی کلاسیک ارکسترال است. در این سبک متال، گیتارهای الکتریک پرقدرت در کنار سازهایی مثل ویولن، پیانو و گروه‌های کر بزرگ قرار می‌گیرند تا فضایی سینمایی و حماسی خلق کنند.

تضاد میان صدای لطیف و اپرایی خوانندگان (که اغلب زن هستند) با صدای سنگین گیتار، جذابیتی منحصربه‌فرد به این سبک می‌بخشد. موسیقی سمفونیک متال معمولاً دارای تنظیمات بسیار پیچیده‌ای است و هر آهنگ مانند یک پرده از یک نمایش بزرگ تئاتر یا اپرا عمل می‌کند.

سبک نو متال (Nu-Metal)

این سبک متال که در اواخر دهه ۹۰ میلادی ظهور کرد، متال را با عناصر موسیقی «هیپ‌هاپ»، «راگتون» و «الکترونیک» ترکیب کرد. در نو متال، لزوماً خبری از سولوهای طولانی گیتار نیست و تمرکز بیشتر روی ریتم‌های مدرن و اشعاری است که به مسائل شخصی، روانی و دردهای دوران جوانی می‌پردازد. استفاده از دی‌جی (DJ) برای ایجاد صداهای الکترونیک و ترکیب خوانندگی معمولی با «رپ»، از ویژگی‌های بارز این سبک است. نو متال باعث شد طیف وسیعی از مخاطبان که طرف‌دار موسیقی مدرن بودند به سمت متال جذب شوند.

سبک اینداستریال متال (Industrial Metal)

این سبک موسیقی متال ترکیبی از موسیقی متال با صداهای سرد، مکانیکی و تکرارشوندهٔ صنعت است. در اینداستریال متال، از سینتی‌سایزرها، سمپل‌های صوتی کارخانه‌ای و ضرب‌آهنگ‌های ماشین‌وار استفاده می‌شود تا فضایی سرد، مدرن و گاهی ترسناک ایجاد شود. صدای خواننده اغلب با افکت‌های کامپیوتری تغییر می‌کند تا حالتی غیرانسانی و رباتیک پیدا کند. این موسیقی حس حضور در یک دنیای تکنولوژیک و تاریک را به شنونده منتقل می‌کند که در آن انسان و ماشین با هم ادغام شده‌اند.

سبک فولک متال (Folk Metal)

فولک متال از ترکیب موسیقی متال با موسیقی محلی و سنتی کشورهای مختلف (به‌ویژه اروپای شمالی و شرقی) به وجود آمده است. در این استایل متال، در کنار گیتار الکتریک و درامز، از سازهای سنتی مثل ویولن، آکاردئون، فلوت و حتی سازهای باستانی استفاده می‌شود. ملودی‌ها اغلب از رقص‌ها و آوازهای محلی قدیمی الهام‌گرفته شده‌اند و اشعار به افسانه‌های بومی، طبیعت و تاریخ گذشتگان می‌پردازند. این سبک تضاد جالبی میان “خشونت مدرن سازهای برقی” و “اصالت سازهای سنتی” ایجاد می‌کند.

تفاوت بلک متال و دث متال

بعد از بررسی استایل‌ها و انواع متال، حالا می‌توانیم تفاوت آنها را بهتر بفهمیم، مثلاً تفاوت بلک متال و دث متال چیست؟ پاسخ به این سؤال اکنون برای ما راحت است. بلک متال بیشتر بر فضای تاریک و اتمسفر رمزآلود تمرکز دارد و وکال جیغ‌مانند آن، احساس سرد و شدید ایجاد می‌کند. در مقابل، دث متال با ریف‌های سنگین، ریتم‌های پیچیده و وکال عمیق و خشن شناخته می‌شود و شدت و قدرت موسیقی را بیشتر به شنونده منتقل می‌کند.

سخن پایانی

در این مقاله تلاش کردیم موسیقی متال را از پایه معرفی کنیم و ابتدا به این پرسش پاسخ بدهیم که متال چیست و چه تفاوتی با راک دارد و سپس با بررسی چند مثال از انواع آهنگ‌های سبک راک، سعی کردیم به شکل واضح‌تری این سبک جذاب را به شما نشان دهیم. بعد از آن هم به سراغ توضیح تفاوت دو سبک پرطرف‌دار راک و متال رفتیم و مفهومی تحت عنوان راک آشنا شدیم. در ادامه بعد از آشنایی با تاریخچه سبک موسیقی متال، چند گروه متال باز مشهور را به شما معرفی کردیم تا با این سبک موسیقی بهتر آشنا شوید. در انتها نیز تمام سبک‌های زیرشاخه متال مانند هوی متال، بلک متال و … را موردبررسی قرار دادیم و با تفاوت بلک متال و دث متال آشنا شدیم.

درنهایت تمام تلاش ما این بود که به شما کمک کنیم که تصویر کاملی از دنیای موسیقی متال داشته باشید. امیدواریم توانسته باشیم این کار را به‌خوبی انجام دهیم. اگر از خواندن این مطلب لذت بردید، حتماً آن را برای کسانی که این سبک موسیقی جذاب را نمی‌شناسند هم بفرستید تا آن‌ها نیز با این سبک پرانرژی آشنا شوند. همچنین اگر با متال و موسیقی این سبک آشنایی دارید یا استایل متال خاصی را دنبال می‌کنید، نظر خودتان را در بخش دیدگاه‌ها بنویسید و بگویید کدام سبک موسیقی متال یا کدام گروه متال برای شما جذاب‌تر است.

سؤالات متداول

1. چه کسانی متال گوش میدهند؟ متال را افرادی گوش می‌دهند که به موسیقی پرانرژی و هیجانی علاقه دارند و با صدای قدرتمند و پیام‌های عمیق آن ارتباط برقرار می‌کنند.
2. متال باز یعنی چه؟ متال باز به کسی گفته می‌شود که به موسیقی متال علاقه دارد و به عبارت خودمانی، فن (طرف‌دار) این سبک محسوب می‌شود.
3. متالهد چیست؟ متالهد به کسی گفته می‌شود که به موسیقی متال علاقه دارد و این سبک را بخشی از سلیقه و هویت موسیقایی خود می‌داند. او با انرژی صدا و فضای خاص متال ارتباط برقرار می‌کند.
4. راک متال چیست؟ راک متال شاخه‌ای از موسیقی راک است که با صدای سنگین‌تر گیتار و ریتم‌های پرقدرت شناخته می‌شود. این سبک ترکیبی از انرژی راک و خشونت صوتی متال است.
5. تفاوت بلک متال و دث متال چیست؟ بلک متال فضایی تیره و سرد با وکال جیغ‌مانند و تمرکز بر احساسات تاریک دارد؛ درحالی‌که دث متال دارای صدایی خشن‌تر با وکال بم و ریتم‌های پیچیده‌تر است.

نوشته متال چیست اولین بار در مجله سازکالا. پدیدار شد.

موسیقی عضوی جدایی ناپذیر از زندگی ما انسان‌ها به شمار می‌رود و از دید بسیاری از افراد، موسیقی برترین نوع هنر می‌باشد. همانند بسیاری دیگر از فرم‌های هنر، موسیقی نیز به دسته‌ها، سبک‌ها و ژانرهای مختلف تقسیم می‌شود که هر کدام از آن‌ها، المان‌های مربوط به خود را دارند و همچنین طرفداران خود را. در این مقاله قصد داریم تا محبوب ترین سبک‌های موسیقی را دنیا را بهتر بشناسیم. با ما همراه باشید.

نکته: در این مقاله تنها ۵ ژانر از محبوب ترین سبک‌های موسیقی جمع آوری شده، اما سبک‌های محبوب تنها به این ۵ عدد ختم نشده و دیگر سبک‌هایی که در این مقاله حضور ندارند نیز طرفداران خاص خود را دارند.

۱- پاپ

همانطور که از نام این سبک پیداست، سبک پاپ به موسیقی Popular و یا عامه پسند گفته می‌شود. اما ارائه معنایی دقیق برای این سبک کاری دشوار است زیرا در سال‌های اخیر این سبک تغییرات بسیار زیادی داشته است.

ما می‌توانیم برای این سبک، به این موضوع اشاره کنیم که هر موسیقی ای که عامه مردم به آن گوش می‌دهند، موسیقی پاپ در نظر گرفته می‌شود. برای مثال در دهه‌های گذشته، به سبک گروه The Beatles موسیقی پاپ گفته می‌شد.

در دهه ۸۰ و ۹۰، موسیقی پاپ با الهام از بسیاری از المان‌های موسیقی الکترونیک به طور کلی تغییر کرد اما طرفداران از شنیدن این موسیقی لذت می‌بردند. امروزه نیز موسیقی پاپ شباهت بسیاری به موسیقی رپ و زیر شاخه‌های آن یعنی موسیقی ترپ دارد.

مطلب پیشنهادی : تاریخچه موسیقی پاپ

۲- رپ و هیپ هاپ

این دو سبک که می‌توان منشا اصلی آن را در دهه ۸۰ پیدا کرد. جزو محبوب ترین سبک‌های موسیقی حال حاضر دنیا به شمار می‌رود. جالب است بدانید که قبل از دهه ۸۰، این نوع موسیقی از سبک‌هایی همانند بلوز و Gospel الهام گرفته شده است.

این سبک با موسیقی ای که عمدتا به شکل الکترونیک ساخته می‌شود و اشعار اعتراضی، توجه بسیاری از افراد را به خود جلب کرده است. همچنین زیر سبک‌هایی که برای این سبک در نظر گرفته شده از محبوبیت بسیار زیادی برخوردار هستند و در بسیاری از چارت‌های موسیقی، زیر سبک‌های رپ و هیپ هاپ همانند ترپ مشاهده می‌شود.

شاید بتوان دلیل محبوبیت این سبک و زیر سبک‌های آن را وجود فضای مجازی دانست زیرا بسیاری از آهنگ‌های این سبک، بر روی ویدئوهای مختلف قرار داده می‌شوند.

۳- راک

شاید بتوان در مورد سبک راک، یک کتاب و یا در کمترین حالت یک مقاله جامع نوشت زیرا این سبک، یکی از غنی ترین و محبوب ترین سبک‌های موسیقی دنیا به شمار می‌رود که طرفداران بی شماری دارد. اما برای آن که این مقاله طولانی نشود، به ساده ترین نکات در مورد این سبک بسنده می‌کنیم.

سبک راک، مستقیما از سبک بلوز ساخته شد و در دهه ۵۰ میلادی، طرفداران بسیاری پیدا کرد. این سبک ابتدا در ایالات متحده شروع به درخشیدن کرد و کمی بعد از آن، بسیاری از افراد در بریتانیا نیز شیفته سبک جدیدی شدند که منشا آن سبک بلوز بود.

محبوبیت این سبک آن قدر ادامه داشت تا کل اروپا را فرا گرفت و در دهه ۶۰ میلادی، سبک راک به محبوب ترین سبک آن زمان تبدیل شده بود.

از دیگر نکات مربوط به این سبک، می‌توانیم به تعدد زیر سبک‌های آن اشاره کنیم. برای مثال از ابتدایی ترین زیر سبک‌ها می‌توانیم به بلوز راک اشاره کنیم تا پس از مدتی که آهنگ‌هایی پیچیده تر و مفهومی تر در قالب سبک پراگرسیو راک به بازار عرضه شد.

در سال‌های اخیر، سبک راک محبوبیت سابق خود را از دست داد. اما با این حال هنوز هم بسیاری از افراد این سبک را گوش می‌دهند و از آن لذت می‌برند.

۴- موسیقی الکترونیک

شاید بتوان ادعا کرد که از دهه ۸۰ به بعد و با روی کار آمدن و استفاده زیاد از سینت سایزرها و تجهیزات الکترونیکی برای ساخت موسیقی، بسیاری از افراد این موضوع را پیشبینی می‌کردند که موسیقی الکترونیک به زودی به یک سبک مجزا تبدیل می‌شود و بسیاری از افراد با استفاده از المان‌ها و ابزاری که برای تنظیم موزیک‌‌های مختلف از جمله رپ و هیپ هاپ وجود دارد، می‌دانند آهنگ‌هایی در سبک‌های مختلف تولید کنند.

در عصر کنونی، این اتفاق به طور کامل رخ داده است و بسیاری از افراد به لطف پیشرفت تکنولوژی و استفاده از کامپیوترهای مختلف، سبک الکترونیک را پایه گذاری کردند.

یکی از نکاتی که در مورد این سبک وجود دارد، نداشتن هیچ المانی از سازهای زنده می‌باشد. به این ترتیب، تمامی صداهایی که در این سبک می‌شنوید، صداهایی هستند که توسط کامپیوتر و یا سینت سایزرهای مختلف تولید می‌شوند و در بسیاری از فستیوال‌ها از این نوع موسیقی استفاده می‌شود.

۵- متال

شاید نام سبک متال به گوش شما خورده باشد و یا از طرفداران آن باشید. این سبک نیز یکی از سبک‌هایی است که طرفداران بسیاری در دنیا دارد و با داشتن زیر شاخه‌های متعدد، به شکل‌های گوناگون می‌توان آن را شناسایی کرد.

سبک متال در واقع یکی از زیر سبک‌های مشهور سبک راک است که در دهه ۷۰ و ۸۰ میلادی محبوبیتش آغاز شد. استفاده از گیتارهای الکتریک با صداهای دیستورت شده، استفاده از ریتم‌های درامز که بسیاری تکنیکی و سرعتی هستند و وکال‌های خاصی که در این سبک مورد استفاده قرار می‌گیرد، باعث شده تا متال به سبکی تبدیل شود که بسیاری از مردم شیفته آن هستند.

همانند بسیاری از سبک‌های دیگر اما، امروزه سبک متال کمی تغییر کرده و گروه‌های مدرن تر این سبک، با تلفیق این سبک با المان‌های موسیقی الکترونیک، زیر شاخه‌های بسیار خاص و جذابی را خلق کرده‌اند.

مطلب پیشنهادی: آشنایی با سبک متال

جمع بندی نهایی

این مقاله در واقع تنها برای معرفی ۵ تا از محبوب ترین سبک‌های موسیقی دنیا نوشته شده است. سبک‌ها و ژانرهای موسیقی بی‌شمار هستند و هر کدام از آن‌ها تاریخچه و طرفداران بسیار زیادی دارند.

همچنین این نکته را نیز باید مد نظر قرار داد که سبک‌های موسیقی همواره در حال تغییر و تحول هستند. بنابراین می‌توانید از این مقاله برای تحقیقات بیشتر در مورد سبک‌های مختلف استفاده کنید و در مورد سبک‌های مورد نظر خود اطلاعات کامل تری به دست آورید.

نوشته معرفی محبوب ترین سبک‌های موسیقی دنیا اولین بار در مجله سازکالا. پدیدار شد.

مطلب پیشنهادی : تاریخچه پیانو در جهان

علت گران قیمت بودن برخی پیانو

یکی از واضح ترین جواب‌هایی که می توان به این سوال داد، متریالی است که این پیانوها با آن ساخته می شوند و همچنین می توانیم به نوع ساخت آن‌ها نیز اشاره کنیم. برخی شرکت‌ها سازهای خود را به شکل دست ساز تولید می کنند و یا از متریال بسیار گران قیمتی برای ساخت محصولات خود استفاده می کنند. حسی که این سازها به نوازنده منتقل می کند بی نظیر است و حسی است که هیچ پیانوی دیگری نمی تواند آن را منتقل کند.

از طرفی، برخی از این پیانوها با استفاده از متریال بسیار عجیبی ساخته شده اند که عموما با استفاده از آن‌ها به تولید ساز نمی پردازند. برای مثال، سازهای متعددی در دنیا وجود دارند که با استفاده از طلا، نقره، کروم و دیگر متریال خاص ساخته شده است و صدای خاصی را نیز تولید می کنند.

در ادامه، پنج عدد از گران قیمت ترین پیانوهای دنیا را برای شما آماده کرده ایم:

۵. پیانوی Galaxy Piano به ارزش ۱.۳۶۰.۰۰۰ دلار

با قیمت نجومی ۱.۳۶ میلیون دلاری، این پیانو پنجمین پیانوی گران قیمت دنیا به شمار می رود. نکته جالبی که در مورد این پیانو وجود دارد، کلاویه‌های آن است که به شکلی خاص طراحی و ساخته شده اند.

این پیانو، دارای کلاویه‌های منحنی شکل است که این امکان را به شما می دهد تا بتوانید به راحتی قطعه‌های مختلف را بنوازید. از طرفی، صفحه ای که برای آن در نظر گرفته شده به شکل خودکار باز و بسته می شود و نیازی به باز کردن آن ندارید. بدنه این پیانو از طلای ۲۴ عیار ساخته شده است و تنها ۵ عدد از آن در دنیا ساخته شده است. تمامی این ۵ عدد پیانو توسط افراد مختلف خریداری شده اند و برای خرید آن باید پیشنهادی نجومی به آن بدهید!

۴. پیانوی Sound of Harmony Concert Grand, Steinway & Sons به ارزش ۱.۶۳۰.۰۰۰ دلار

 در رتبه چهارم یکی از خاص ترین گرند پیانوهای دنیا قرار دارد که در کنار ظاهر بسیار زیبا و خاص آن، صدای بسیار خاصی نیز تولید می کند. زمان صرف شده برای ساخت این پیانو برابر با ۴ سال بوده است و برای ساخت بدنه این پیانو و همچنین صندلی آن، از ۴۰ چوب مختلف استفاده شده است. جالب تر آن که بر روی این ترکیب چوبی بی نظیر، یک نقاشی بسیار زیبا نیز کار شده که این نقاشی توسط یک نقاش چینی مشهور به نام Shi Qi بر روی این ساز انجام شده است. برای ساخت این پیانو از چوب‌های آبنوس، اش وود و رزوود استفاده شده است که جزو گران قیمت ترین و کمیاب ترین چوب‌های دنیا می باشند. قیمت این ساز برابر با ۱.۶۳ میلیون دلار است.

۳. پیانوی Red Parlor for RED Parlor Grand Piano, Steinway & Sons به ارزش ۱.۹۲۵.۰۰۰ دلار

یکی دیگر از پیانوهای شرکت Steinway & Sons در این لیست، زیرا این شرکت به تولید پیانوهای لاکچری و بسیار گران قیمت شهرت بسیاری دارد. این پیانوی زیبا و بسیار خاص که در رتبه سوم این لیست قرار گرفته، پیانویی است که طراحی آن توسط خواننده گروه U2 یعنی Bono انجام شده است.

او در واقع یک پیانوی بسیار حرفه ای از این شرکت می خواست تا بتواند در یکی از کنسرت‌های خود با نام RED، از آن استفاده کند. این کنسرت، در شهر نیویورک برگزار شد و هدف از برگزاری آن، اجرایی بود که تمامی هزینه‌های آن برای یک خیریه و برای مبارزه با بیماری ایدز جمع آوری شد. این پیانو در نهایت با مبلغ ۱.۹۲۵ میلیون دلار فروخته شد و تمام این هزینه به خیریه رسید.

۲. پیانوی Steinway Model Z قدیمی John Lennon به ارزش ۲.۳۷۰.۰۰۰ دلار

جان لنون را بسیاری از علاقه مندان به موسیقی و به خصوص سبک راک می شناسند. بدون آهنگ‌های بی نظیر او در گروه The Beatles و همچنین آهنگ‌هایی که او به عنوان یک موزیسین با نام خود عرضه کرده، شاید موسیقی راک به شکل کنونی آن وجود نداشت. اما پیانوی Steinway Model Z یکی از ساده ترین مدل‌هایی است که توسط این شرکت ساخته شده است و دلیلی برای گرانی آن وجود ندارد! اما با این حال، چون این ساز، پیانوی شخصی جان لنون بوده است، با قیمتی نجومی در رتبه دوم این لیست قرار گرفته است. این پیانوی قهوه ی چوبی Upright تنها به دلیل نام جان لنون با این قیمت فروخته نشده است، بلکه قیمت ۲.۲۷ میلیونی این ساز، به این دلیل بوده که این ساز همان سازی است که جان لنون با آن آهنگ Imagine را نوشته و آن را ضبط کرده است.

۱. پیانوی کریستال شرکت Heintzman به ارزش ۳.۲۲۰.۰۰۰ دلار

یک قانون نانوشته می گوید اگر در نام وسیله کلمه کریستال باشد، آن وسیله، بسیار گران قیمت است! نکته جالب توجه این است که با این که در این لیست، سه پیانو از شرکت Steinways داشتیم، اما گرانترین پیانوی جهان از این شرکت نیست. این پیانو، یک پیانو از شرکت Heintzman است که یک شرکت کانادایی است.

بدنه این پیانو کاملا شفاف است و از متریال کریستال برای ساخت آن استفاده شده است. جالب تر آن که تنها یک بار با این پیانو نواخته شده است و آن هم در سال ۲۰۰۸ و در مراسم المپیک پکن بوده است. پس از آن مراسم، این پیانو برای همیشه به عنوان یادگار نگه داری شد. اما چه کسی همان یک بار را با گران ترین پیانوی دنیا نواخته؟ نوازنده بی نظیر پیانو Lang Lang در آن مراسم پشت این ساز نشسته بوده است!

امیدواریم از مقاله گرانترین پیانو جهان از sazkala استفاده کرده باشید و منتظر ادامه مقالات ما باشید.

گران ترین پیانو ها در ایران

در ادامه می‌خواهیم دو مدل از گران ترین پیانو های لوکسی که در بازار ایران به فروش می‌رسند را معرفی کنیم. تقاضا برای این دو مدل به دلیل لوکس و گران بودن آنها محدود است ولی با این حال مشتریان خاص خود را دارند

پیانو گرند Yamaha C7x

پیانو گرند c7x یکی از گران‌ترین مدل‌ها در بازار موسیقی ایران می‌باشد که تفاوت زیادی با Concert Grand Piano ندارد. ستون‌های این پیانو جوری طراحی شده که پس از نواختن نت، صدای ساز را به خوبی نگه می‌دارد و وظیفه آن کمک به استحکام و مقاومت اعضای درونی و ایجاد بازتاب در این پیانو می‌باشد.

پیانو گرند Yamaha C3X

پیانو گرند Yamaha C3X یکی دیگر از گران‌ترین پیانو‌ها در ایران می‌باشد و این پیانو به نسبت پیانو C2X صدایی گرم‌تر دارد و ستون‌های این پیانو نیز مانند سری C7X صدای ساز را به خوبی بازتاب می‌کند. اصولا افرادی این پیانو را می‌خرند که در نواختن پیانو تبحر دارند. این پیانو مورد پسند اکثر اساتید و آموزشگاه های موسیقی در جهان است.

برای آشنایی با معروف ترین قطعه های پیانو در تمام دوران کلیک کنید.

نوشته گرانترین پیانو های ایران و جهان اولین بار در مجله سازکالا. پدیدار شد.

Jascha Heifetz

یکی از بزرگترین ویولونیست‌های تاریخ، Jascha Heifetz می باشد که بسیاری از افراد آن را یکی از مهمترین نوازندگان تاریخ به شمار می آورند. او ۶۵ سال به نواختن ساز ویولن پرداخت و این ساز را از سن ۵ سالگی آغاز کرد. نحوه نوازندگی او بی نظیر است و بسیاری از افراد به خاطر او ساز ویولن را خریداری کرده اند.

گوشه ای از هنر Jascha Heifetz

Nicolo Paganini

نوازندگان ساز ویولن به خوبی با پاگانینی آشنا هستند و او را یکی از بزرگترین آهنگسازان و نوازنده‎های تاریخ می دانند. او در شهر جنوا کشور ایتالیا متولد شد و به عنوان اولین ساز، ماندولین را از پدر خود آموخت. او در سن ۷ سالگی نوازندگی ویولن را آغاز کرد و پس از مدتی، استاد او استعداد بی نظیر او در نوازندگی این ساز را کشف کرد. از جمله قطعات مشهور او می توانیم به ۲۴ Caprices for Solo Violin Op.1 اشاره کرد که هنوز هم به عنوان یک قطعه حرفه ای، توسط هنرجویان این ساز نواخته می شود.

گوشه ای از هنر Nicolo Paganini

David Oistrakh

ز دیگر نوازندگان حرفه ای ساز ویولن می توانیم به David Oistrakh اوکراینی اشاره کرد که در سال ۱۹۰۸ به دنیا آمد. او نوازندگی با ویولن را در سن ۵ سالگی آغاز کرد. او ویولن را به طور خودآموز یاد گرفت و در قرن ۲۰ میلادی، جزو معدود افرادی در شوروی بود که اجازه سفر به آمریکا و انگلستان برای اجرا را داشت. قطعات مختلفی نیز توسط او ساخته شد که نام او را برای همیشه زنده نگه داشت.

گوشه ای از هنر David Oistrakh

Fritz Kreisler

در میان نوازندگان مشهور در اروپا، می توانیم به Kreisler فرانسوی اشاره کنیم. کسی که در سن ۷ سالگی عضو کنسرواتوار پاریس بود و در سن ۱۲ سالگی جایزه بهترین نوازنده ویولن را دریافت کرد. از او به عنوان یکی از آخرین نوازندگان دوران رمانس یاد می شود. او بیشتر محبوبیت خود را مدیون گرامافون‌ها و همچنین اجراهای مختلفی است که در نقاط مختلف دنیا داشته است. او همچنین در تاریخ ۲ فوریه سال ۱۹۲۵ مصاحبه ای را با مجله Time انجام داد. بسیاری از نوازندگان ویولن، قطعات او را جزو زیباترین قطعات دنیا می دانند. آیا می خواهید صدای ویولن را تقویت کنید ؟

گوشه ای از هنر Fritz Kreisler

Pablo de Sarasate

در میان نوازندگان اروپایی، نمی توانیم از Pablo de Sarasate اسپانیایی چشم پوشی کنیم، شخصی که بسیاری از قطعات او اکنون توسط هنرجویان ویولن مورد نواختن قرار می گیرد و بسیاری از افراد عاشق نوازندگی او هستند. او یکی از اساتید برجسته ساز ویولن در قرن ۱۹ میلادی به شمار می رود و بسیاری از قطعات کلاسیک را به همراه دیگر تنظی کنندگان آن زمان همانند Bizet و Saint-Saens تنظیم کرده است.

گوشه ای از هنر Pablo de Sarasate

Itzhak Perlman

اگر نوازندگان کلاسیک و قدیمی را برای لحظه ای کنار بگذاریم، در میان نوازندگانی که اکنون زنده هستند، Itzhak Perlman را می توانیم یکی از بهترین‌ها بنامیم. او نه تنها جزو افرادی است که نه تنها در نوازندگی بسیار خبره است، بلکه قطعات مختلفی نیز توسط او ساخته شده که آن‌ها را می توانیم جزو بهترین قطعات مدرن ویولن بدانیم.

او در با بهترین گروه‌های ارکسترال در دنیا نواخته است، جوایز متعددی را برنده شده و برای انجمن‌های بزرگ، قطعات مختلفی را نواخته است. همچنین در یکی از بزرگترین مدارس موسیقی شهر نیویورک، می توانید با او کلاس‌های مختلفی را بردارید و از دانش او در نوازندگی استفاده کنید.

گوشه ای از هنر Itzhak Perlman

Eugene Ysaye

نمی توان لیستی از بهترین نوازندگان ویولن را ساخت و نام Eugene Ysaye را نیاورد. این نوازنده پرآوازه بلژیکی یکی از محبوب ترین نوازندگان ساز ویولن به شمار می رود و بسیاری از نوازندگان حرفه ای قرن ۲۰ میلادی از جمله شاگردان وی بوده اند. همچنین، بسیاری از استادی مدرن ساز ویولن از تکنیک‌های خاص او برای آموزش ویولن استفاده می کنند. او جزو اولین افرادی بود که در فیلارمونیک برلین ساز خود را نواخته بود، پیش از آن که این فیلارمونیک شهرت چندانی پیدا کند. او در قرن بیستم نیز شاگردان متعددی داشت و سعی در تربیت نسل بهترین ویولونیست های جهان مدرن را داشت.

گوشه ای از هنر Eugene Ysaye

Stephane Grappelli

در میان نوازندگان اروپایی، نمی توانیم از Pablo de Sarasate اسپانیایی چشم پوشی کنیم، شخصی که بسیاری از قطعات او اکنون توسط هنرجویان ویولن مورد نواختن قرار می گیرد و بسیاری از افراد عاشق نوازندگی او هستند. او یکی از اساتید برجسته ساز ویولن در قرن ۱۹ میلادی به شمار می رود و بسیاری از قطعات کلاسیک را به همراه دیگر تنظیم کنندگان آن زمان همانند Bizet و Saint-Saens تنظیم کرده است.

نوازندگان اروپایی زیادی در این لیست وجود دارند و دلیل آن بیشتر به خاطر موسیقی کلاسیکی است که در این قاره مورد تنظیم قرار می گرفته اما نوازندگان دیگری نیز وجود داشته اند که در سبک‌های مختلف به نوازندگی پرداخته اند. Grappelli یکی از آن‌هاست که به او نام “پدرخوانده ویولن جز” را داده بودند. او جزو معدود نوازندگان اروپایی این سبک بود که به طور خیلی حرفه ای با ویولن خود به نواختن این سبک می پرداخت. او نه تنها قطعات مختلفی را به شکل تکنوازی در اختیار دارد، بلکه با گروه‌های مختلف نیز به نوازندگی پرداخته است. از دید بسیاری از افراد او همواره یکی از بهترین‌هاست. در ادامه همراه مقاله بهترین ویولونیست های جهان از سایت سازکالا باشید.

گوشه ای از هنر Stephane Grappelli

Yehudi Menuhin

یکی دیگر از نوازندگان و تنظیم کنندگان مشهور دنیا، Yehudi Menuhin است که در سال ۱۹۱۶ میلادی در یک خانواده یهودی در شهر نیویورک به دنیا آمد. او در نوجوانی خود، در کشور آلمان به نوازندگی ساز خود می پرداخت و حتی هنگامی که ارتش نازی در این کشور شروع به پیدایش کرد، او به یکی از اساتید برجسته ویولن تبدیل شده بود.

او نه تنها یک نوازنده حرفه ای بود، بلکه یکی از بهترین تنظیم کنندگان قرن ۲۰ ام نیز به شمار می رود. او در نواختن قطعه‌های کلاسیک و جز تبحر خاصی داشت.

گوشه ای از هنر Yehudi Menuhin

Viktoria Mullova

یکی از مدرن ترین نوازندگان زن دنیا، Viktoria Mullova است که بازسازی یکی از قطعات باخ توسط او، نظرات بسیار مثبتی را در پی داشته است. او در مسابقه Sibelius در سال ۱۹۸۰ برنده شد و در سال ۱۹۸۲ مدال طلای Tchaikovsky را دریافت کرد. او را نه تنها می توان یکی از بهترین نوازندگان زن در دنیا به شمار آورد، بلکه از نظر تکنیک و حس در نوازندگی، او یکی از بهترین ویولونیست های جهان به شمار می رود. برای خرید می توانید از راهنمای خرید ویولن استفاده نمایید.

گوشه ای از هنر Viktoria Mullova

نوشته بهترین ویولونیست‌های جهان اولین بار در مجله سازکالا. پدیدار شد.

کتاب تئوری موسیقی The Ultimate Guide to Music Theory

اگر شما یک نوازنده مبتدی هستید و به دنبال خرید کتابی هستید که بتوانید تئوری موسیقی را به راحتی با آن یاد بگیرید و آهنگ‌های مورد نظر خود را بنویسید، این کتاب یکی از بهترین کتاب‌هایی است که می‌توانید تهیه کنید.

با این کتاب شما ریتم‌های مختلف را می‌آموزید، گام‌های مختلف را با استفاده از فواصل یاد می‌گیرید و همچنین می‌توانید قطعات مختلف را تنها با استفاده از برگه نت و ۵ خط حامل بخوانید. این کتاب در واقع در ۵ جلد عرضه شده است که هر کدام قسمت مختلفی را به شما آموزش می‌دهند.

کتاب Harmony and Theory: A Comprehensive Source for All Musicians

این کتاب یکی از محبوب ترین و پرفروش ترین کتاب‌های تئوری موسیقی در دنیا می‌باشد و دلیل فروش بالای آن، تمرین‌هایی است که نویسنده این کتاب برای قسمت‌های مختلف آن در نظر گرفته است. به این ترتیب هر آنچه از این کتاب می‌آموزید را می‌توانید درون آن تمرین کنید. از طرفی، بسیاری از مباحث این کتاب به شکلی توضیح داده شده است که بسیار قابل فهم است و می‌توانید به راحتی مباحث را درک کنید.

کتاب The Musician’s Guide to Theory and Analysis Series

این کتاب یکی از حرفه ای ترین کتاب‌های دنیا در زمینه تدریس تئوری موسیقی است که در بسیاری از دانشگاه‌های موسیقی دنیا از جمله دانشگاه‌های معتبر کشور آمریکا نیز از آن برای درس دادن به دانشجوهای خود استفاده می‌کنند. این کتاب باعث شده تا بسیاری از افراد بتوانند درک کاملی از تئوری موسیقی داشته باشند و آن را به خوبی متوجه شوند.

تنها نکته ای که باید هنگام خواندن این کتاب در نظر داشته باشید، این است که باید دانش قبلی ای از موسیقی و تئوری آن داشته باشید زیرا این کتاب، کتابی بسیار حجیم است.

کتاب تئوری موسیقی Music Theory for Dummies

سری کتاب‌های For Dummies را می‌توان یکی از پرفروش ترین و پرطرفدار ترین سری کتاب‌های دنیا دانست که مهارت‌های بسیاری را به خوانندگان یاد می‌‌دهد. بیش از ۲۵۰۰ نسخه از این کتاب‌ها برای مهارت‌های مختلف نوشته شده و بسیاری آن را جزو بهترین کتاب‌های نوشته شده می‌دانند.

کتاب Music Theory For Dummies در واقع کتابی است که تئوری موسیقی را به واضح ترین و راحت ترین شکل ممکن بیان کرده است. با استفاده از این کتاب شما مباحث بسیار سخت تئوری را در فصل‌های کوچک تر و با نگارشی قابل فهم می‌خوانید.

کتاب تئوری موسیقی The Everything Music Theory

این کتاب که نویسنده آن، Marc Schonbrun می‌باشد، از نظر ما یکی از ساده ترین کتاب‌هایی است که برای تئوری موسیقی نوشته شده است. در این کتاب، شما با فواصل مختلف آشنا می‌شوید، گام‌های مینور و ماژور را به خوبی می‌آموزید، کلید‌های مختلف را درک می‌کنید، آکوردها و توالی آن‌ها را یاد می‌گیرید و در قسمت پایانی نیز با هارمونی و تنظیم آهنگ‌های مختلف آشنا می‌شوید.

اگر حس می‌کنید که بر روی مفاهیم گفته شده، تسلط کافی دارید، این کتاب گزینه ای مناسب برای شما نخواهد بود.

کتاب Alfred’s Essentials of Music Theory: A Complete Self Study Course For All Musicians

شاید بسیاری از نوازندگان ساز پیانو با Alfred Music آشنا باشند، زیرا این ناشر یکی از مشهورترین ناشرهای کتاب‌های موسیقی برای این ساز می‌باشد.

این کتاب نیز توسط این ناشر به همراه ۲ عدد CD منتشر شده است که با استفاده از CDها می‌توانید به تمرین گوش خود بپردازید و بسیاری از مفاهیم این کتاب را بهتر درک کنید. تنها نکته منفی ای که می‌توان در مورد این کتاب گفت، جو بسیار خشک کتاب است که ممکن است برخی افراد را جذب نکند.

کتاب Music Theory Remixed: A Blended Approach for the Practicing Musician

این کتاب، کتابی است که تئوری موسیقی را بر اساس قطعات کلاسیک و قدیمی دنبال می‌کند و برای هر کدام از قسمت‌های خود، مثالی را با استفاده از آهنگ‌های قدیمی در نظر گرفته است. اگر شما می‌خواهید با تاریخ تئوری موسیقی آشنا شوید، این کتاب می‌تواند شما را در این مسیر راهنمایی کند.

شما در این کتاب همچنین بررسی‌هایی در آهنگ‌های راک، جز و پاپ مشاهده می‌کنید که ممکن است به شما در شناخت قسمت‌های مختلف تئوری کمک کند.

کتاب Music Theory For Guitarists: Everything You Ever Wanted to Know But Were Afraid To Ask

گیتاریست‌ها نوازندگانی هستند که قبل از آن که یادگیری ساز خود را آغاز کنند، نیاز به یادگیری فرت بورد گیتار خود دارند. این دقیقا راهکاری است که در این کتاب به آن اشاره شده است. در واقع، تمامی مباحث تئوری موسیقی در این کتاب نیز گفته شده اما پیش از آن که آن‌ها را یاد بگیرید، لازم است تا با فرت بورد گیتار و نت‌های آن کاملا آشنا باشید.

اگر شما نیز یک نوازنده گیتار هستید و می‌خواهید به خوبی تئوری را بر روی ساز خود پیاده کنید، این کتاب گزینه ای مناسب برای شماست. بهترین کتاب برای گیتار الکتریک را نیز مطالعه بفرمایید.

نوشته معرفی بهترین کتاب تئوری موسیقی اولین بار در مجله سازکالا. پدیدار شد.

برای مثال، برای گوش دادن به آلبوم‌هایی با تعداد آهنگ‌های بسیار زیاد، معمولا از سی دی‌ های متعدد استفاده می‌شد که در آن زمان، یکی از انقلابی ترین تغییرات در دنیای موسیقی به شمار می‌رفت. همچنین، مهندسان صدا این امکان را داشتند تا با استفاده از قابلیت های ویرایش موجود در پردازش‌های دیجیتال، یک سیگنال صدایی را Pitch Shift کنند و صدای آن را از یک نت به نتی دیگر تغییر دهند.

به همین دلیل است که می‌توانیم دهه ۹۰ میلادی را یکی از مهم ترین برهه های تاریخ در ضبط موسیقی و به طور کل، پروداکشن و ساخت آن در نظر بگیریم. تحول ضبط استودیویی در دهه ۹۰ با گذر و تبدیل پردازش آنالوگ به دیجیتال در این دهه، تمامی بخش‌های موسیقی را تحت تاثیر قرار داد.

از تبدیل شدن کاست‌ها به سی دی‌ها و در نهایت فرمت MP3 گرفته تا ساخت اولین نرم افزارهای میزبان (DAW) و پلاگین‌ها (افزونه های دیجیتالی سینتی سایزر و افکتها) ، دهه ۹۰ میلادی را می‌توان یک دهه مهم در موسیقی جهانی نامگذاری نمود.

در این مقاله قصد داریم تا با تغییرات عمده ای که در این دهه رخ داد، بیشتر آشنا شویم و تاثیرات آن را در نحوه ساخت موسیقی امروزی مشاهده کنیم. با سازکالا در ادامه این مقاله همراه باشید.

استودیوهای خانگی

در دهه ۸۰، بسیاری از افراد مشاهده کردند که چگونه تکنولوژی باعث شد تا بسیاری از افراد بتوانند با هزینه ای بسیار کمتر از ساخت یک استودیوی حرفه ای، به ضبط ایده‌های خود در خانه بپردازند. اتفاقی که ادامه و تکامل آن در دهه ۹۰ رخ داد. مقاله ساخت استودیوی خانگی به همراه برآورد هزینه را مطالعه فرمایید.

رکوردر دیجیتال Portastudio

از جمله محصولات پرفروش و پرطرفدار در آن زمان می‌توانیم به رکوردر دیجیتال Portastudio شرکت Tascam اشاره کنیم. یک رکوردر که دارای ۸ ترک بود و این امکان را به شما می‌داد تا بتوانید با آن به ضبط صدا بپردازید. استفاده از این محصول، محدودیت‌های‌ خود را داشت و از طرفی کیفیت صدای آن به هیچ عنوان “حرفه ای” تلقی نمی‌شد.

اما همین محصول باعث شد تا صدایی که بعدها به Lo-Fi مشهور است شکل بگیرد و آرتیست‌های مختلفی نظیر Pavament، Olivia Tremor Control و Elliott Smith آهنگ‌هایی را به بازار عرضه کنند که صدایی Lofi گونه دارشته است

نسخه اولی که از این رکوردها به بازار عرضه شد، به گونه ای طراحی شده بود که صدا بر روی یک کاست ضبط می‌شد. اما بعدها مدل‌‌های دیگری به بازار عرضه شد که صداها را بر روی دیسک‌ها ضبط می‌کردند و این محصولات را به محصولات دیجیتال تبدیل کردند.و این نیز یکی از موارد تحول ضبط استودیویی بود.

ابداع نرم افزار میزبان Pro Tools

نرم افزار Sound Tools، نام اولیه ای برای یک نرم افزار ساخت موسیقی بود. نرم افزاری که امروزه نام آن به Pro Tools تغییر پیدا کرده است و برای اولین بار در نمایشگاه NAMM سال ۱۹۸۹ از آن رونمایی شد. Sound Tools در واقع یکی از اولین نرم افزارهای میزبان دنیای صدا بود که امکان ضبط ۲ ترک را به کاربر می‌داد و طراحی آن بر پایه نرم افزار Sound Designer II انجام شده بود. پیش از این نرم افزار، دیگر نرم افزارهای میزبان تنها امکان ضبط یک ترک را به کاربر می‌دادند.

دو سال بعد، در سال ۱۹۹۱، Sound Tools به Pro Tools تغییر نام داد و به عنوان اولین نرم افزار میزبان یا Digital Audio Workstation دنیا از آن رونمایی شد. این نرم افزار به سرعت راه خود را به استودیوهای سراسر دنیا باز کرد. نه به عنوان یک ابزار انقلابی، بلکه به عنوان یک وسیله که به مهندسان صدا کمک می‌کند.

در سال ۱۹۹۵ Butch Vig جزو کسانی بود که یک آهنگ را با استفاده از این نرم افزار میزبان ضبط و سپس آن را میکس کرد. پس از چند سال، اولین آهنگی که به شکل کامل توسط این نرم افزار ضبط و میکس شد آهنگ Livin’ La Vida Loca خواننده مشهور یعنی Ricky Martin بود.

امکانات بیشتر به لطف نرم افزارها

نرم افزار Pro Tools یکی از افسانه ای ترین اتفاقات را برای دنیای موسیقی رقم زد. با استفاده از این نرم افزار، دیگر به جای استفاده از کنسول‌های غول آسا، تجهیزات آنالوگ و محدودیت‌های ممکن، مهندسان صدا می‌توانستند با استفاده از این نرم افزار به صفحه کامپیوتر خود نگه کنند و آهنگ‌های خود را میکس و یا ضبط کنند. مقاله بهترین نرم افزارهای آهنگسازی سازکالا را مطالعه بفرمایید.

پس از پرو تولز، این شرکت اشتاینبرگ بود که با تولید نرم افزار میزبان Cubase، ظاهری جدیدتر و زیباتر را برای این نرم افزارها به ارمغان آورد. این نرم افزار همچنین امکانات جدیدی را در اختیار کاربران قرار داد که باعث شد تا افراد بتوانند راحت تر از گذشته به کار کردن بپردازند. در کنار این نرم افزارها، می‌توانیم به ساخت پلاگین‌های مختلف نیز اشاره کنیم که باعث بهتر شدن میکس‌ها در نرم افزارهای میزبان شدند.

مسترینگ

مسترینگ یکی دیگر از اتفاقات بزرگ در صنعت صدا بود که در دهه ۹۰ رخ داد.و یکی از موارد تحول ضبط استودیویی بود. پیش از آن، آهنگ‌ها بر روی گرامافون‌ها پخش می‌شدند و اگر مهندس مسترینگ، صدای آهنگ‌ها را بسیار بلند می‌کرد، این موضوع باعث لرزش بیش از حد سوزن گرامافون و بد صدا دادن آهنگ‌ها می‌شد. اما با پیشرفت تکنولوژی و استفاده از فایل‌های MP3 و سی دی‎‌ها، مهندسان مسترینگ انعطاف پذیری بیشتری در مسترینگ داشتند.

آن‌ها میتوانستند صدا آهنگ‌های مختلف را خیلی بلندتر از گذشته کنند، بدون آن که آهنگ‌ها بد صدا دهند. مقاله آموزش مسترینگ برای یوتوب را مطلعه فرمایید.

در همین زمان بود که بسیاری از مهندسان مسترینگ برای بلندتر کردن صدای آهنگ‌های خود، از Brickwall Limiterها و کمپرسور‌های مختلف استفاده کردند. استفاده ای که در نهایت، منجر به وجود آمدن “جنگ بلندی صدا” یا Loudness War شد.

این نام، در واقع به برهه ای اشاره دارد که هر مهندس صدایی، برای آن که نشان دهد میکس بهتری را انجام داده، با استفاده از لیمیترهای Brickwall و کمپرسورها تلاش می‌کرد تا صدایی بسیار بلند تر از دیگران را تولید کند و مسترهایی با صدای بلندتر را به بازار عرضه کند. این جنگ در نهایت با به وجود آمدن سرویس‌های استریمینگ امروزی از بین رفت.

نوشته تحول ضبط استودیویی در دهه ۹۰ اولین بار در مجله سازکالا. پدیدار شد.

در ادامه این مقاله با ما همراه باشید.

مطلب پیشنهادی : دلیل ارتقا پیانو دیجیتال به آکوستیک

Schindler Yacht Piano

اگر در محیط کوچکی می‌خواهید به تمرین و یا نوازندگی پیانو بپردازید، این ساز مناسب شماست. پیانوهای Yacht که به آن‌ها Ship Piano نیز گفته می‌شد، پیانوهای آپرایتی هستند که صفحه کلاویه آن‌ها به طور کامل جمع می‌شد. این پیانوها برای اولین بار در قرن ۲۰ تولید شدند و جزو قدیمی ترین و خاص ترین پیانوهای جهان هستند. نکته جالب در مورد این پیانوها این است که پدال Damper برای آن‌‌ها در نظر گرفته نشده است. بلکه به جای آن یک دسته در قسمت جلویی این پیانوها در نظر گرفته شده تا کار پدال Damper را انجام دهد.

هنگامی که این پیانو را جمع کنید، بدنه آن شباهت بسیاری به تلوزیزیون‌های قدیمی پیدا می‌کند.

The Bed Piano

این پیانو یکی از جالب ترین پیانوهای تاریخ است. مهم نیست که شما فردی تنبل هستید یا به دلیل بیماری مجبورید مدت زیادی در تخت بمانید. در سال ۱۹۳۵، پیانویی تحت نام Bed Piano معرفی شد که طراحی آن به گونه ای است که می‌توانید در تخت خود بخوابید و با استفاده از این ساز به تمرین بپردازید.

The Pedal Piano

گاهی ۸۸ کلاویه برای نوازنده کافی نیست! در سال ۲۰۰۰، Luigi Borgato یک پیانو خاص را به بازار عرضه کرد که به شکل دو طبقه ساخته شده است و در کنار ۸۸ کلاویه ای که برای آن در نظر گرفته شده، ۳۷ عدد پدال نیز در قسمت پایی این پیانو در نظر گرفته شده که می‌توانید با استفاده از آن ۳۷ نت بیشتر در اختیار داشته باشید.

جالب است بدانید که این ایده، ایده جدیدی نیست و موتزارت نیز پیانویی بسیار شبیه به آن را داشته است.

پیانو Photoplayer

این محصول یکی از خاص ترین پیانو‌های دنیا به شمار می‌رود که در قرن ۲۰ میلادی تولید شده است. نکته ای که در مورد این محصول وجود دارد این است که این ساز در واقع ترکیبی از پیانو، پرکاشن و ارگ می‌باشد و صداها و افکت‌های بسیاری را می‌توانید با استفاده از آن تولید کنید. به همین دلیل است که از این ساز، در ساخت فیلم‌های قدیمی استفاده می‌شده است.

پیانوی Erard بتهوون

یکی دیگر از قدیمی ترین و خاص ترین پیانوهای جهان این پیانو می‌باشد. بسیاری از طرفداران موسیقی کلاسیک این موضوع را می‌دانند که لادویگ ون بتهوون، یک پیانو فورته چوبی داشت که پس از مدتی به Franz Liszt داده شد. اما بتهوون یک پیانو فرانسوی دیگر به نام Erard نیز داشت. شاید با دیدن عکس این پیانو، متوجه خاص بودن آن نشوید اما نکته اصلی در مورد این ساز، پدال‌های آن است.

در پیانوهای امروزی، پدال Damper در سمت راست و پدال Una Corda در سمت چپ نوازنده قرار می‌گیرد اما در این پیانو، عکس این ویژگی درست است که باعث می‌شود تا نوازندگی با آن بسیار متفاوت تر باشد.

Schimmel Pegasus Piano

در میان پیانو‌های مختلفی که در این لیست وجود دارند، این محصول طراحی بسیار خاص و منحصر به فردی را دارد که باعث می‌شود تا راحت تر از پیانو‌های معمولی بتواند با آن به نوازندگی بپردازید. بدنه این محصول دارای یک شیب زیبا است و همچنین صندلی ای که برای این محصول در نظر گرفته شده به گونه ای است که می‌توانید آن را به راحتی تنظیم کنید.

صدای این محصول نیز از نقاط قوت آن به شمار می‌رود که صدایی بسیار خاص و منحصر به فردی را تولید می‌کند.

پیانوی Liberace Rhinestone

یکی از مجری‌ها و نوازنده‌های محبوب در دهه ۸۰ میلادی Liberace بوده است و برنامه‌های او بازدید بسیار زیادی داشته است. اما نکته ای که در مورد او وجود داشته، علاقه او به سنگ‌های گران قیمت و پر زرق و برق بوده است.

از همین رو، یکی از پیانوهای او که از جمله پیانوی مورد علاقه او نیز بوده، با استفاده از این سنگ‌ها ساخته شده است. این ساز هیچ تفاوتی با یک پیانو گرند عادی ندارد و تنها نکته ای که باعث خاص بودن آن شده، استفاده از سنگ‌هایی بسیار زیبا بر روی بدنه این محصول بوده است.

پیانوی Pianocktail

بسیاری از پیانوهایی که در این لیست نامشان ذکر شده، پیانوهایی بودند که یا صدای متفاوتی داشتند و یا پیانوهایی بودند که نوازندگی با آن‌ها نیازمند استفاده از تکنیک‌های متفاوتی بود. اما Pianocktail، نام پیانویی عجیب است که در یک بار برای درست کردن نوشیدنی مورد استفاده قرار می‌گیرد. این ساز بر اساس حس قطعه، نوشیدنی‌های مختلف را با یکدیگر ترکیب می‌کند تا یک نوشیدنی جدید درست شود. هر کدام از نت‌های این پیانو مربوط به یک نوشیدنی خاص می‌باشد و با فشار دادن پدال‌ها یخ در لیوان مورد نظر ریخته می‌شود.

Boganyi Piano

این پیانو که مدتی به Bat Piano نیز مشهور بود، یک پیانو با ظاهری بسیار عجیب است که به گونه‌ای طراحی شده که گویا در یک فیلم تخیلی طراحی شده است. برخلاف بسیاری از پیانو‌های گرند، برای ساخت این محصول به جای استفاده از چوب، از بدنه ای ساخته شده از کربن استفاده کرده‌اند که نه تنها ظاهر خاصی را به این محصول داده، بلکه صدایی بسیار متفاوت را نیز تولید می‌کند. نکته دیگر در مورد اکشن کلاویه‌های این محصول است که باعث شده تا آرپژهای مختلف را بسیار روان تر از دیگر پیانوها بنوازید.

Maene-Barenboim Straight-strung Concert Grand

یکی از پیانو سازان مشهور دنیا به نام Maene Barenboim، چند سال پیش در حین بررسی یکی از پیانوهای Franz Liszt، به نکته ی جالبی دست پیدا کرد و آن این بود که این پیانو برخلاف پیانوهای گرند امروزی که دارای چند سیم بر روی یکدیگر است، سیم‌های آن به شکل موازی ساخته شده و هیچ سیمی بر روی دیگری قرار ندارد.

این موضوع باعث شد تا ایو پیانویی را خلق کند که دقیقا با این طراحی ساخته شده اما امکانات مدرن بسیاری را در اختیار نوازندگان پیانو قرار می‌دهد. این پیانو در آلبوم جدید Barenboim به نام On My New Piano مورد استفاده قرار گرفته است.

نوشته قدیمی ترین و خاص ترین پیانوهای جهان اولین بار در مجله سازکالا. پدیدار شد.

برای کسانی که به دنبال تولید نرم افزار از نقطه شروع می‌گردند، این پکیج‌های مختلف می‌تواند تکمیل کننده کتابخانه پلاگین‌ها باشد. با این حالا، اگر صرفا به دنبال ضبط صدای ساز‌های کلاسیک هستید، پکیج‌های Arturia’s V Collection یا IK Multimedia’s Syntronik ممکن است بیشتر نظر شما را جلب کند.

Arturia V Collection X

مجموعه Arturia’s V یکی از شناخته شده‌ترین پکیج‌های سینت در بازار می‌باشد. این پک شامل ۲۸ پلاگین منحصر بفرد است که هر کدام دارای شبیه سازی دقیق از برخی ساز‌های ۵۰ سال گذشته هستند. در این پکیج گزینه‌های انتخابی مختلفی وجود دارد. از جمله موارد موجود در این پکیج می‌توان به صدا‌های اصلی مانندMinimoog Model D ، Roland Junos و Jupiters, Yamaha DX7 و برخی سینت‌های Oberheim اشاره کرد.

گزینه‌های خلاقانه ای نظیر Buchla Music Easel ،Synclavier و full Moog Modular system به علاوه پیانوهای دیجیتال و organs نیز برای این پک در نظر گرفته شده است.

همه پلاگین‌های آرتوریا دارای طراحی زیبا و مواردی شامل نماهای پیشرفته و آموزش می‌باشند، علاوه بر این گاها ویژگی‌های جدیدی مانند افکت و سکوئنس‌های نیز به این پک اضافه می‌شود. این پک با پلاگین‌های Arturia’s Analog Lab عرضه شده که شامل کاربرپسندترین صداها در سراسر دنیا می‌باشند.

Korg Collection 3

مجموعه کرگ یکی از قدیمی‌ترین باندل‌های سینت در جهان محسوب می‌شود که در سال ۲۰۰۴ کار خود را با پکیج Legacy Collection شروع کرد. ۱۱ پلاگین این پک شامل بازسازی ساز‌های دیجیتال از کتگوری Korg هستند. علاوه بر این پلاگین ARP Odyssey نیز به این پک اضافه شده است. 

این پکیج شامل چندین نماد آنالوگ از جمله MS-20 ،Polysix و Mono/Poly می‌باشد که همه شبیه سازی صدای مدارهای اصلی به صورت مجازی را انجام می‌دهند. با این حال گزینه‌های برجسته این پک شامل ساز‌های دیجیتال کرگ از دهه ۸۰ و اوایل ۹۰ مانند M1 ،Wavestation و Prophecy می‌باشد.

Native Instruments Komplete 15

پکیج باندل از نرم افزار آلمانی Native Instruments، چیزی بیشتر از سینت‌هاست. ترکیب پلاگین‌های مستقل همراه با پک‌ها و ساز‌های طراحی شده در کمپانی Kontakt و Reaktor، باعث شده تا Komplete 15 دارای افکت، بیت میکر و سینت سایزر و صداهای ارزشمندی باشد.

Komplete 15 میکس‌های حرفه‌ای، شاید کمی قدیمی، سینت‌های کلاسیک مانند Massive ،FM8 و Monark همراه با صداهای حرفه‌ای Massive X، صداهای پلی آنالوگ از Super 8 به علاوه نمونه سازی صداهای مختلف دیگر را با خود همراه کرده است. Komplete همچنین دارای آخرین نسخه از محیط ساخت صدای سینت Reaktor, NI است. امکان دسترسی به کتابخانه user creation در کنار سیستم ماژولار Reaktor Blocks را نیز فراهم می‌کند.

Roland Cloud

در بین ماشین درام‌های TR-808 و TR-909 که برای سبک‌های house و techno مورد استفاده قرار می‌گیرند، سینت‌هایی مانند SH-101، مدل‌های Jupiter و Junos، و ساز‌هایی نظیر D-50، رولند ساز‌های بسیار متنوع و تاثیر گذاری را برای پکیج خود در نظر گرفته است. همراه با Roland Cloud، به همه نسخه‌های مجازی سینت‌ها مانند System-1 و System-8 دسترسی خواهید داشت.

شبیه سازی‌ها مانند موتور صدای سخت افزار‌هایی مانند TR-8S رولند و سری‌های Boutique انجام شده است، و ری اکشن‌هایی وینتیج و فوق العاده را در اختیار شما قرار می‌دهد. در کنار ساز‌های کلاسیک، کاربران Roland Cloud امکان دسترسی به نمونه سمپل‌های Zenology synth و پک‌های افکت را نیز دارند.

Steinberg Absolute 6

بسته نرم افزاری Steinberg Absolute 6 از Cubase developer Steinberg، طیف گسترده ای از سینت، سمپل و پک‌های صدا در تقریبا هر ژانر موسیقی را با خود همراه کرده است. در بخش سینت، نکات برجسته ای شامل ساز‌های آنالوگ مجازی همچون Voltage ،Retrologue 2 و lush granular polysynth Padshop 2 در نظر گرفته شده است.

این بسته همچنین شامل ساز‌های Steinberg’s sampler ،HALion 7 و HALion Sonic 3 می‌باشد که می‌تواند به عنوان یک نوازنده برای انواع صدای سینت و آکوستیک عمل کند. فراتر از این، پکیج Absolute دارای صداهای پیانو ها، organ، و یک کتابخانه کامل از انواع صدای درام و پرکاشن است. در مجموع این پکیج متنوع و جامع بوده و به طور خاص برای آهنگسازان موسیقی متن یا پروژه‌های موسیقی تجاری کارآمد است.

IK Multimedia Syntronik Deluxe

Syntronik کمی متفاوت از بسته‌های موجود است. Syntronik از صداهای نمونه برداری شده با برخی سینت‌های آنالوگ استفاده می‌کند. صداهای اصلی بر اساس ۵۰ گیگابایت نمونه ضبط شده از ۳۸ ساز قدیمی می‌باشند. این سینت‌های نمادین از شرکت‌هایی مانند، Roland ،Oberheim ،Moog و Yamaha به علاوه برخی انتخاب‌های جالب مانند انواع استرینگ ماشین و برخی کیبورد های دیجیتال نیز برا این پکیج در نظر گرفته شده است.

هر ساز Syntronik این امکان را برای کاربران فراهم می‌کند که صداهای مختلف را با استفاده از یک فیلتر آنالوگ مجازی و امپ، با انولوپ‌ها و LFO برای ماژولیشن استفاده کنند.

u-he Diva

• فرمت ها: PC/Mac, VST/AU/AAX
• موتور های سینت: virtual analogue.

در این پلاگین از شبیه سازهای آنالوگ آکوستیک حرفه‌ای‌تری به نسبت پکیج‌های دیگر استفاده شده است. برخلاف شبیه سازی‌های واقعی مانند موارد موجود در V Collection یا GX-80 ،Diva  یک سینت آنالوگ نیمه ماژولار می‌باشد که مجموعه کاملی از سازهای افسانه ای را با خود همراه کرده است. با فهرستی از اوسیلاتور، فیلتر و انولوپ‌ها، کاربرها می‌توانند فرآیند میکس کردن صداهای وینتیج یا بازتولید سیگنال‌ها به شکل کامل را در اختیار داشته باشند. این پلاگین یکی از بهترین پلاگین VSTهای سینت می‌باشد.

Xfer Records Serum

• فرمت ها: PC/Mac ,VST/AU/AAX.
• موتور های سینت: wavetable, additive.

Xfer Records’ Serum تقریبا یک دهه است که در بین نوازندگان است و در دسته پلاگین‌های وینتیج قرار می‌گیرد. در سال ۲۰۲۵ نیز یکی از پلاگین‌های عالی برای سینت در نظر گرفته می‌شود. سر فصل‌های اصلی این پلاگین شامل اوسیلاتورهای dual wavetable همراه با استایل‌های ترکیبی مختلف، ویرایشگر wavetable  کامل، منو کاملی از فیلتر‌ها، سیستم مدلاسیون عالی و ماژول‌های افکت خیره کننده می‌باشد.

بیشتر بخوانید: بهترین وی اس تی‌های سینت سایزر برای آهنگسازی در سبک‌های مختلف

سخن آخر

در این مقاله ما راجع به بهترین پلاگین VSTهای سینت ۲۰۲۵ صحبت کردیم. در صورت هرگونه سوال با مشاورین ما در کامنت در میان بگذارید.

نوشته بهترین پلاگین VSTهای سینت ۲۰۲۵ اولین بار در مجله سازکالا. پدیدار شد.

اسپانیایی به عنوان روز هنرمند معین گردد.

نقاشی های وی را راهی برای به دست آوردن تفکرات عاشقانه در زندگی دانسته اند .

او این روز را برای به رسمیت شناختن جهان هنر ، و ارج دادن تمام راه هایی که هنرمندان دیدگاههای خاص خود را به زندگی می دهند،

ایجاد کرد.

هنرمندان در طیف وسیعی از فعالیت ها حضور دارند اما خلاقیت عنصر مشترک بین آنها در تمامی زمینه ها می باشد.

به مناسبت همین روز ، یعنی سوم آبان ماه و به پاس قدردانی از شما عزیزان، ما در مجموعه سازکالا تصمیم گرفتیم مسابقه‌ای با

جوایز نفیس را طراحی کنیم تا ذره‌ای قدردان شما دوستان هنرمند باشیم.

شرایط شرکت در این مسابقه به این صورت است که ؛ شما هنر خود را در قالب نوازندگی (با هر سازی) یا خوانندگی یک قطعه را ، در

پیج اینستاگرام خود، پست یا استوری کنید و پیچ اینستاگرام سازکالا را تگ کنید و ما ویدئوهای شما را در پیج آپلود می‌کنیم تا با رای

مردمی و نظر داوران، شما برنده مسابقه “ساز و آواز” باشید.

تاریخ شروع مسابقه دوم آبان ماه ۱۴۰۰ می‌باشد.

در این مسابقه برای جلوگیری از تقلب میبایست خود شما در ویدیو حضور داشته باشید.

جایزه مسابقه : سه عدد کاخن

ممنون از همراهی همیشگی شما عزیزان

روز هنرمند مبارک

نوشته علت نام گزاری روز جهانی هنرمند اولین بار در مجله سازکالا. پدیدار شد.